Leticia / La vie en rose

Watercolor, ink and graphite on silk

140x80 cm

Portrait of my mother in front of Celso's Library.

Retrato de mi madre frente a la Librería de Celso.

Chapter VIII

Capítulo VIII

Oil on canvas

80x60 cm

A metaphor about a fragment from the Chapter VIII of Alexander Dumas’ book “The Three Musketeers”

The musketeers point with their swords at the same direction, which is the common good that turns into an Eternity symbolized by the dawn at the horizon and vanishing point. Their swords light up by the common good tracing the perspective lines, revealing the road to follow.

"D’Artagnan...entonces pensó y comprendió por primera vez que aquella unión de cuatro hombres, jóvenes, valientes, emprendedores y activos, debían tener otro objeto más importante que dar paseos, lecciones de esgrima y bromas, más o menos graciosas. Efectivamente, cuatro hombres como ellos, consagrados los unos a los otros desde el bolsillo hasta en la vida; cuatro hombres que se apoyaban siempre, que no retrocedían nunca, que ejecutaban aisladamente o reunidos todas las decisiones tomadas en común; cuatro brazos que amenazaban a los cuatro puntos cardinales, o se volvían hacia un solo punto, debían inevitablemente abrirese un camino hacia el objeto que quisieran conseguir, ya fuese subterráneo, ya a la luz del día, por la mina o por la trinchera, por la astucia o por la fuerza, por bien defendido o por lejano que estuviese. La única cosa que asombraba a D’Artagnan era que sus compañeros no hubieran aún meditado en esto “.
Los mosqueteros apuntan en una misma dirección, que es el bien común que se transforma en eternidad simbolizada por el amanecer en el horizonte y en el punto de fuga a donde apuntan sus espadas, que a su vez reciben la luz del camino de la perspectiva.

Space-timeless herd

Manada a-temporal y a-espacial

Oil on canvas

90x90 cm

Wolf pack without time or space. Where everyone have been, are, and will be one. No one above anyone, no one before anyone.

Manada en donde todos han sido, son y serán una, y uno ha sido, es y será todas. Nadie arriba de nadie, nadie antes que nadie.

Exalted by their biology

Encumbradas por su biología

Oil on canvas

90x70 cm

The patriarchal condescencion to women as a concept, is manifested when they are praised because of their biological characteristics.

Although at first glance it may seem the opposite, this stance is a false recognition to each woman as an individual person. It cancel the possibility that each one of them can be respected if they step out of the beauty canons and biological function that history has imposed them.

The painted scene represents this situation. Each of those women is being pushed by a blood fluid (a characteristic element of female fertility) in the ocean. But this artwork is secretly exposed up side down. They’re not being elevated, as it may seem, but drowned to the sea floor, which can be known by the fluids’ shape.

La condescendencia patriarcal a la mujer como concepto, es manifestada cuando se les alaba por sus características biológicas. Aunque a primera vista puede parecer lo contrario, esta actitud es un falso reconocimiento a cada mujer como persona individual. Anula la posibilidad de que cada una sea respetada si se sale de, o rebela contra, los cánones de belleza y funcionalidad biológica que históricamente se les ha impuesto.

La escena del cuadro representa esta situación. Cada una de esas mujeres está siendo impulsada por un fluido de sangre (elemento característico de la fertilidad y biología de la mujer) dentro del océano. Pero el secreto del cuadro es que se expone boca abajo. En realidad no están siendo elevadas, como pudiera parecer, sino hundidas al fondo del mar, lo cual es revelado por la forma que adquiere el fluido.

The construction of the trees (or the Wisdom forest)

La contrucción de los árboles (o el bosque de la sabiduría)

Oil on canvas

110x220 cm

The sequoia forest is constructed from the concept for wisdom in spanish (sabiduría). The word appears in sign language.

El bosque de sequoias es construido a partir del concepto sabiduría. La palabra aparece en idioma de signos.

Light hole

Agujero de luz

Oil on canvas

170x240 cm

Black holes are regions in the Universe in which interior exist such a powerful gravitational field that not even the particles of light can escape from it.

This image is an analogy of what a black hole could hold; the supreme concentration of light, which is related to a metaphor of life. Inside this light gathering, the grey wings revive turning into colors and assembling around the centre that is the supreme light in a lotus shape, which is guarded by the eyes of three children.

In nature, Lotus flowers arrive as a blessing, because they emerge from the mud of the bottom of the water, but when they bloom, they become what are considered the most beautiful and perfect flowers.

This lotus is born from the darkness of the Universe like these flowers are born from the darkness of the mud on Earth.

The mud is associated with mystery and origin, therefore, in the image it is represented as the universe that surrounds the hole, and the flowers is associated with the creation from an authentic purity, which may be found only in children.

Los agujeros negros son regiones del espacio en cuyo interior existe un campo gravitatorio tan potente que ninguna partícula material, ni siquiera la luz, puede escapar de ella.

La imagen es una analogía visual de lo que se supone albergaría un agujero negro: la máxima concentración de luz, lo cual remite metafóricamente a la vida.

Dentro de la concentración de luz, las alas grises reviven volviéndose de color, concentrándose en el centro, cuya máxima luz es cuidada por 3 ojos de niños.

Esta luz del centro irradia en forma de una pequeña flor de loto, atrayendo a su vez a las alas que la rodean para que su forma se expanda, es decir: es la creación de una flor de loto de alas delimitada por los 3 ojos.

En la naturaleza, las flores de loto llegan como una bendición, pues nacen del lodo del fondo de las aguas pero cuando surgen se convierten en las que son consideradas las flores perfectas y más bellas.

El lodo es asociado con lo misterioso y el origen, por lo tanto en la imagen es representado como el universo que rodea el agujero y la flor de loto como la creación a partir de una pureza auténtica, la cual se encuentra solo en los niños.

...and the sun touched the wakeful's forehead

...y el sol tocó la frente del insomne

Marker, pen and color pencil on paper

70x50 cm

Eulogy to Octavio Paz.

Elogio a Octavio Paz.

Mini siamese hearts

Mini corazones siameses

Watercolour miniature on paper

5 cm diameter

Siamese hearts united by an evil substance.

Corazones siameses unidos por una sustancia malvada.

Sagittarius

Sagitario

Acrylic, pen and ink on paper

15.5x10 cm

Boiling point 2012º

Punto de ebullición 2012º

Oil on wood

70x50 cm

A man is forced by the circumstances (the earth where he is buried) to loose his integrity and sanity, characteristics to reach happiness according to Democritus, a philosopher from Socrates time who, its been said, took of his eyes so as the contemplation of the external world didn’t disturb his meditations.
But this character, buries his eyes instead, to make his own what the power of the sight let him understand and analyze from that world, context or system with the one he disagrees.
He boils his last conclusion at 2012 Celsius degrees (because 2012 was the upcoming year when this work was mande) in his brain and liberates its evaporation, opening his head up to the pineal gland (known as the third eye) which function is to convert the luminic information in hormonal secretion as being united to the retina.
The thought comes out in form of blue smoke, to get lost in the space and become unreachable. It is blue to represent, according to Zaccolini’s color theory, that the thought is already far away, alienated and free from what ties the man to reality.

Un hombre es forzado por las circunstancias (representadas por la tierra en la que está enterrado) a perder su integridad y cordura, que son características para alcanzar la felicidad, según Demócrito. Se dice que este filósofo, contemporáneo de Sócrates, se arrancó los ojos para que la contemplación del mundo exterior no perturbara sus meditaciones.

Pero el personaje del cuadro, en vez de eso se hunde los ojos, para apoderarse de lo que el poder de la vista le permite entender y analizar del mundo exterior, contexto o sistema con el cual él no está de acuerdo.

Hierve su última conclusión a 2012º grados Celsius (esta obra fue hecha en vísperas del año 2012) en su cerebro y libera su evaporación, abriendo su cabeza hasta la glándula pineal (o el tercer ojo) cuya función es convertir la información lumínica en secreción hormonal, por estar unida a la retina.

El pensamiento sale en forma de humo azul, para perderse en el espacio y volverse inalcanzable. Es azul para representar, según la teoría del color de Zaccolini,   que el pensamiento ya está lejos, alienado y libre de lo que ata al hombre a la realidad.

Looking for Orestes

Buscando a Orestes

Serigraphy on paper

40x30 cm

Inspired by the A Perfect Circle song "Orestes" and the Aeschylus' trilogy. The song phrase "methaphor for a missing moment" can be distorted as "megaphone for a missing mother". This mother with an empty womb is looking for Orestes, but she has fish ears and headphones, so she won't listen to him even with a megaphone.

Obra inspirada en la canción "Orestes" de A Perfect Circle y en la trilogía de Esquilo. La frase en inglés "metáfora para un momento perdido" de la canción, puede distorsionarse como "megáfono para una madre perdida". Esta madre con matriz vacía busca a Orestes, pero tiene orejas de pezcado y auriculares, así que no podrá escucharlo ni con un megáfono.

Nerve engine

Motor nervioso

Lithography on paper

42x29 cm

Nerve alcatraz

Alcatraz nervioso

Acrylic, graphite and pastel on paper

100x70 cm

Nebula

Graphite on paper

100x70 cm

Despite having reached the conclusion intuitively that Butoh dance functions as a metaphor for the cosmic phenomenon of nebula creation, through pure observation and the association of images, subsequent theoretical research on the inspiration behind this dance confirms the proposed interrelation:

Ankoku Butōh arises as a consequence of the destruction of Japan by the atomic bombs dropped on Hiroshima and Nagasaki. Hence it has a circumstantial but indissoluble connection with atomic physics. Its creators, Tatsumi Hijikata and Kazuo Ohno, likely inspired by both that tragedy and the movements of rural inhabitants in Japan, sought to express phenomena such as metamorphosis, life and death cycles or the relationship of humans with nature and among themselves.

Regardless of the multiple artistic inspirations it may have had (such as German expressionist dance by Mary Wigman or the traditional artistic heritage of various types of Japanese theater), it is, aesthetically, initially an explosion of luminous bodies in the darkness of a space giving rise to a difficult-to-define image, as happens with the birth of a nebula in the cosmos. Hence it is appropriate the name they would baptize this dance with, referring to "the dance of darkness, shadow, and the unknown." (Gonzalez, 2019)

Luis Díaz comments that for Tatsumi and Ohno, the purpose of their art was to regain, from the maternal womb, the primordial body that had been stolen from them. Furthermore, during dance classes, Ohno would tell his students: "Become moth dust, all the traces of the universe are found on the wings of a moth."

Thus, the essence of Butoh, according to the Ikigai Team, lies in the moments when the dancer, while being reborn, stops identifying with themselves and becomes someone else, something else, or transforms in collective pain.

Subsequently, Ushio Amagatsu, a Butoh dancer in the 1970s, defined this dance "as a dialogue with gravity, whose technique is summarized in two antagonistic ideas: tension and relaxation of the body." (Ikigai Team, 2018)

Dancer Yumiko Yoshioka, on the other hand, speaks of the vibrational waves that inspired her variant of this dance: “Body Resonance starts from the idea that the world, including our body and soul, consists of vibrational waves that create constant resonances like echoes. When we tune our body to that frequency, we receive images, feelings, and sensations accordingly.”

In this information provided by Butoh artists throughout history from its origin, it is possible to find different theories related to this composition:

The eternal return of matter that comes back and recognizes itself on its own traces.

The transformation of energy, the decay of particles and their acceleration, the loss of the individual to become collective, resonating here one of Plotinus's definitions of the concept of beauty.

The nebula as a gravitational dialogue of energy; The forces of the universe, seemingly unpredictable, manifest themselves in the dancers in an evident way from an intuitive knowledge and, as they are collective, have the ability to resonate as an image in the spectator.

A pesar de haber llegado a la conclusión de manera intuitiva, por pura observación y asociación de imágenes, de que la danza butoh funciona como metáfora del fenómeno cósmico de la creación de una nebulosa, la investigación teórica posterior sobre la inspiración que originó esta danza confirma la interrelación propuesta:

Ankoku Butōh surge como consecuencia de la destrucción de Japón por las bombas atómicas lanzadas en Hiroshima y Nagasaki. De aquí su vínculo circunstancial pero indisoluble con la física atómica. Sus creadores, Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno, probablemente inspirados tanto en esa tragedia como en los movimientos de los habitantes rurales de Japón, buscaban expresar fenómenos como lametamorfosis, los ciclos de vida y muerte, la relación de los seres humanos con la naturaleza y entre ellos mismos.

Independientemente de las múltiples inspiraciones artísticas que haya podido tener (como el baile expresionista alemán de Mary Wigman o la herencia artística tradicional de diferentes tipos de teatro japonés), en primera instancia es, estéticamente, una explosión de cuerpos luminosos en la oscuridad de un espacio dando lugar a una imagen difícil de definir, como sucede con el nacimiento de una nebulosa en el cosmos. Por ello es adecuado el nombre con el que bautizarían a esta danza, que se refiere a “la danza de la oscuridad, la sombra y lo desconocido.” (Gonzalez, 2019)

Luis Díaz comenta que para Tatsumi y Ohno el propósito de su arte era recobrar, desde el vientre materno, el cuerpo primigenio que les había sido robado. Además, durante las clases de danza Ohno les decía a sus alumnos: "Conviértanse en polvo de polilla, todas las huellas del universo se encuentran en las alas de una polilla."

Así, la esencia del Butoh, según el Equipo Ikigai, se encuentra en los momentos en el que el bailarín, mientras vuelve a nacer, deja de identificarse consigo mismo y se convierte en alguien más, en otra cosa o en el dolor colectivo.

Posteriormente Ushio Amagatsu, bailarín de butoh en los años 70, definió esta danza “como un diálogo con la gravedad, cuya técnica se resume en dos ideas antagónicas:tensión y relajamiento del cuerpo.” (Equipo Ikigai, 2018)

La bailarina Yumiko Yoshioka, por su parte, habla de las ondas vibratorias que inspiraron su variante de esta danza: “Body Resonance starts from the idea that the world, including our body and soul, consists of vibrational waves that create constant resonances like echoes. When we tune our body to that frequency, we receive images, feelings and sensations accordingly.”

En esta información brindada por artistas de Butoh a lo largo de la historia dese su origen, es posible encontrar diferentes teorías que se relacionan con esta composición:

El eterno retorno de la materia que vuelve y se reconoce sobre sus propias huellas.

La transformación de la energía, el decaimiento de las partículas y su aceleración, la pérdida de lo individual para convertirse en colectivo, resonando aquí una de las definiciones de Plotino del concepto de belleza.

La nebulosa como un diálogo gravitacional de la energía; Las fuerzas del universo, aparentemente impredecibles, se manifiestan en los y las bailarinas de manera evidente desde un conocimiento intuitivo y que, por ser colectivo, tiene la capacidad de resonar como imagen en el o la espectadora.

The eternal recurence or the distraction of life

El eterno retorno o la distracción de la vida

Oil and colage on plastic

100x75 cm

The scene portrays the beginning and the end of life, looking at each other as confidants about the unique truth that repeats as a loop. Their connection hides in the universe void covered by the distracting cocoon of life experiences.

El retrato del principio y el final de la vida, mirándose confidencialmente en la única verdad que se repite como bucle. Su conexión se esconde en el vacío del universo, cubierto con el capullo de las distracciones de las experiencias vividas.

The infinite blood

La sangre infinita

Collage, acrylic, pen and graphite on wood

90x70 cm

Through different languages, the infinite blood travels and escapes from its unknown roots.

A través de diferentes idiomas, la sangre infinita viaja y escapa de sus raices desconocidas.

Reconstruction

Reconstrucción

Pen on paper

15x10 cm

The sun, the blanket of the poor

El sol, la cobija de los pobres

Acrylic and pen on paper

42x29 cm

Dead Sea

Mar Muerto

Oil on wood

15x21 cm

Detail

Neuron

Neurona

Oil on canvas

180x300 cm

This neuron model is based on a drawing made by neuroscientist Ramon y Cajal. He used a staining technique developed by C. Golgi, to visualize one neuron from 100. Using this technique where the neuron was “painted” with silver, he could verify that the neurons are separated cells and not just one big tissue.

This portrayed neuron is painted with silver gray to remind the staining technique. The wings along its dendrites represent the “voyage” of the electrical impulse. The core of the neuron opens and reveals itself as an eye who observes some enigmatic event that produces happiness for it. That is why the electric impulse it produces, rises and flies with colorful wings. It is a neuron that travels, flying, using as fuel the happiness that the eye can see.

Este modelo neuronal está basado en un dibujo del neurocientífico Santiago Ramón y Cajal. Él usó la técnica del tintado, desarrollada por C. Golgi, para distinguir una neurona de 100. Usando esta técnica en la que la neurona era “pintada” de plata, pudo verificarse que las neuronas son células separadas, y no un solo gran tejido. 

La neurona aquí representada es de color gris plata haciendo referencia a la técnica del tintado en el que se utiliza una solución de plata. Las alas a lo largo de la neurona representan el viaje del impulso eléctrico. El ojo toma el lugar del núcleo de ésta célula. 

Es una neurona que viaja, volando, usando como combustible la felicidad que el ojo ve.

Self-help enemy

El enemigo de la auto-ayuda

Unique printed painting, pen and graphite on paper 

29x40 cm

A statement appeared to me as a linguistic vision when I obvserved this work almost finished. I wrote it automatically while drawing the dragon-pig's smoke.

After analyzing the quote's content, I could find out the statement of the artwork, which it didn't have before its realization, relating it to the concepts developed in Jacques Derrida's

"Of Grammatology".

This image manifests that, even when all is destroyed in order to change and evolve, just like the self-help books try to tell us how to do it, there will always be a trace as the precense of the absence. 

Una declaración se me apareció como una visión lingüística al observar esta obra casi terminada. La escribí como un automatismo mientras dibujaba el humo del cerdo-dragón.

Después de analizar el contenido del texto, pude encontrar la declaraciónde la pieza, pues antes de su ejecución no tenía ninguna, relacionándola con los conceptos desarrollados por Jacques Derrida en "De la Gramatología".

La imagen manifiesta que, aún cuando todo es destruido para cambiar y evolucionar, tal como nos dicen que hagamos los libros de auto-ayuda, siempre quedará una huella como presencia de la ausencia.

Elisa doesn't have bones but butterflies fossils instead

Elisa no tiene huesos sino fósiles de mariposas

Marker, graphite and pen on panel

80x50 cm

About the impossibility of thinking, in the first instance, that the gentle behavior of a person corresponds to a normal human being .

Sobre la imposibilidad de pensar, en primera instancia, que la conducta gentil de una persona corresponde a un ser humano normal.

Siamese

Siamés

Stained glass paint and sewn printed paper  on acetate

100x90 cm

Portrait of Cain and Abel at the climax moment of the moral of the Genesis story, which is written in the bifid spine sewn on the back of the protagonists.

When Cain kills Abel, he is also killing himself . This consequence is represented by the potential action of nailing the knife in his brother’s spinal cord. However, as they are siameses that share it, it will impact the victim as well as the murder.

Retrato de Caín y Abel, en el momento clímax de la moraleja que enseña la interpretación más útil de esa parte del Génesis la cual está escrita en la columna bífida cosida en la espalda de los protagonistas. 

Cuando Caín mata a Abel se mata, de alguna manera, a sí mismo. Esa consecuencia esta representada por la acción en potencia de clavar el cuchillo en la médula espinal de su hermano pero la cual, al ser siameses, comparten y, por lo tanto, afecta al asesino tanto como a la víctima.

The feast

La fiesta

Serigraphy on paper 

43.5x36  cm

Above the critique of bullfighting, this image propose an anatomical analogy between the techniques to soften a misunderstood living being, and disconnecting human vitality through time.

Más allá de la crítica a la tauromaquia, esta imagen propone una analogía anatómica entre las técnicas para ablandar un ser vivo incomprendido y la desconexión de la vitalidad humana a través del tiempo.

Me, Axolotl

Yo, Axolotl

Acrylic and pen on paper

21x15 cm

Self-portrait as an axolotl.

Autorretrato como axolotl.

Eternal afro-light

Afro de luz eterna

Acrylic on wood

90x70 cm

Self-portrait

Autorretrato

Graphite and pastel on paper

100x70 cm